lunes, 5 de noviembre de 2018
jueves, 28 de noviembre de 2013
DEVORACIONES Y VACIEDAD
"El vacío se estableció en la boca de mi estómago.
Caigo interminablemente sobre ese vacío." Octavio Paz
Aparentemente concretos, el vacío y la devoración, se hacen presentes en la cotidianidad de manera fluctuante, sus límites son cambiantes y difusos, se les puede percibir en cualquier contexto, tienen un alto grado de incidencia en la existencia y sin embargo no suelen ser objeto de reflexión colectiva. Por eso la convocatoria que hace el grupo de investigación Bordes a pensar en estos dos temas se torna muy pertinente y la presente exposición ha sido concebida como respuesta y/o planteamiento reflexivo entorno a dichos conceptos.
La muestra contentiva de pinturas-dibujos y algunos objetos fundamenta su discurso en símbolos figurativos, los cuales han sido reforzados con textos para expandir el campo semántico y hacer que una primera lectura relacionada con la alimentación pueda extenderse a otros estadios ofreciendo al espectador un territorio amplio en el que pueda recorrer aspectos diversos de el vacío y la devoración.
Las obras han sido realizadas a dúo, algo que no es muy habitual, la pintura de Ave y su simbología recurrente (lobos y ovejas) sumada al dibujo de Oscuraldo, y a textos de ambos da como resultado una yuxtaposición de estéticas contrarias que generan variedad de planos y una profundidad distinta a la que genera la perspectiva pero cercana a las técnicas compositivas de la publicidad que terminan en ese festín llamado iconofagia en el que todos somos devoradores-devorados.
viernes, 22 de noviembre de 2013
DE LA LEVEDAD Y EL VACÍO A LA DENSIDAD Y EL CAOS
Es un proyecto expositivo que se materializó en la sala Creadores Visuales del IARTES en Caracas, en noviembre de 2013, gracias a la gestión de Mirla Soto y su equipo dirigidos por Vivian Rivas. Se trata de dos propuestas individuales que conforman un contrapunto estético y conceptual. Dos obras bidimensionales que difieren diametralmente, una está planteada como grandes formatos donde la materia y la complejidad se tornan en densidades, la otra se plantea desde los pequeños formatos, desde la sencillez, habla del vacío y evoca levedades. La primera es congestionada y pesada, la segunda es sutil y liviana. Este antagonismo constituye la premisa bajo la que estos dos creadores se juntan para hablar de un mundo que se fue polarizando, en el que la cotidianidad social nos plantea ser parte de una facción y no de una totalidad y hoy en día esos extremos no parecen tan bien definidos. La filosofía, el arte y el pensamiento en general no parecen capaces de escapar a esta polarización fluctuante, pero logran verla a los ojos y racionalizarla porque es el paisaje en el cual vivimos inmersos. Se trata de hacer conciencia de un aspecto de la existencia que se agudiza en nuestro momento histórico, para poder sobrellevarlo con tolerancia y sensatez.
El conflicto es eterno, la vida siempre nos ha planteado los extremos y desde la antigüedad se ha sabido que estos extremos se tocan y esta muestra se constituye en una manera contemporánea de demostrarlo.
jueves, 15 de noviembre de 2012
LA CASITA
La Fundación JAU inició el año 2011 con su proyecto: La Casita, Proyecto expositivo que tiene como principal objetivo fomentar "el coleccionismo" de obras de arte, entendiendo que esta es una actividad que va mucho mas allá de ser una mera afición o hobby
como suele definírsele, sino que lleva implícita una cantidad de valores
que la convierten en una actividad filantrópica, donde se promueve la creación y el conocimiento e incita a la superación humana a través de la contemplación y la sensibilidad. El coleccionista además nutre la conciencia histórica y contribuye a la escritura y documentación de la misma, ayuda al fortalecimiento de la economía y a la justa valoración de los bienes culturales - patrimoniales.
En la medida en que una región fortalezca y afiance el mercado del arte puede aspirar al desarrollo de expresiones artísticas más contundentes, si bien esta relación no es necesariamente proporcional si constituye un factor de incidencia significativo en la calidad de las expresiones artísticas, ya que el arte puede crecer en paralelo a otras actividades sociales si cuenta con un respaldo económico.
Por estas y muchas mas razones el coleccionismo de obras de arte debe ser fomentado y este proyecto pretende ser activador en ese sentido, sobre todo teniendo en cuenta lo poco
desarrollada que se encuentra esta actividad en nuestro Estado. Con "La Casita"
se quiere generar difusión, promoción y venta de obras de arte
contemporáneo hechas en la región andina. La idea consiste fundamentalmente que la Fundación
JAU ha venido armando pequeñas colecciones
conformadas por obras de pequeño formato, facilitando a un comprador
la posibilidad de adquirir, por un precio módico una colección, que incluye
obras de los artistas de la región que vienen desarrollando un trabajo
sostenido dentro de la estética contemporánea y que cuentan con una
trayectoria de varios años que respalde y valorice el producto. Algunos de los artistas representados, hasta ahora son: Juana Flores, AVE, Arnaldo Delgado, Oscuraldo, Ender Rodríguez, Mirla Soto, Heddy Durán, Adrian Preciado, Antonio Quintero, Iván Romero, Pablo Pérez Godoy, Gerson Acevedo, Jorge Páez, y el maestro Freddy Pereyra.
Con este proyecto se facilita el acceso individual tanto de los artistas (para exponer su trabajo y venderlo) como del colectivo en general, y así se
aspira a la creación de un público (coleccionista) que valore la obra
de estos realizadores contemporáneos con el fin de dignificar su labor.
También se espera la legitimación de espacios no convencionales que
sirvan como vitrinas alternativas para brindar al público en general la
oportunidad de interactuar, admirar y/o adquirir el arte más
contemporáneo de la región.
Annie Vásquez
Artistas participantes
1.- Freddy Pereyra
2.- Oscuraldo
3.- AVE
4.- Jorge Paéz
5.- Mirla Soto
6.- Pablo Pérez Godoy (PPG)
7.- Iván Romero
8.- Adrian Preciado
9.- Salvador Muntaner
10.- Ender Rodríguez
11.- Gerson Acevedo
12.- Heddy Durán
13.- Antonio Quintero
14.- Juana Flores
15.- Arnaldo Delgado
16.- Arcadio Sayago
2.- Oscuraldo
3.- AVE
4.- Jorge Paéz
5.- Mirla Soto
6.- Pablo Pérez Godoy (PPG)
7.- Iván Romero
8.- Adrian Preciado
9.- Salvador Muntaner
10.- Ender Rodríguez
11.- Gerson Acevedo
12.- Heddy Durán
13.- Antonio Quintero
14.- Juana Flores
15.- Arnaldo Delgado
16.- Arcadio Sayago
miércoles, 24 de marzo de 2010
Obras HOLOS
OSCURALDO Y AVE
La perspectiva de los sabios que meriendan a deshora
2009
Mixta / lienzo
80 x 200 cm.
Obras AVE
Después de cenar un cuento para descanzar en paz
2009
Acrílicos, pintura de tráfico y óleo pastel / Lienzo
80 x 100 cm
Obras AVE
Rebaños sin fuerza o almorcemos juntos
2009
Acrílicos, pintura de tráfico y bosta de oveja / Lienzo
80 x 200 cm
Obras OSCURALDO
El mamotreto societario y las tipologías que lo conforman
2009
Mixta / Tela
80 x 300 cm
lunes, 22 de marzo de 2010
HOLOS - Museo de Arte Moderno Juan Astorga. Mérida Noviembre - Diciembre 2009
Entre tropiezos puestos muchas veces por el hombre mismo, la vida se reduce a tratar de saltar pero sin estar seguros de que caeremos al otro lado o tal vez lograremos elevarnos y levantar vuelo, ¿intentos? o el ¿Pan nuestro de cada día?. Unas manchas que siempre van a estar allí y unas líneas divisorias de cosas, sentimientos y realidades que nos imaginamos y nos las creemos. Mis obras parten de un planteamiento mítico-gastronómico comensal-alimento, victima-victimario, lobo devorador de ovejas; y la reflexión de como lo han sido las relaciones entre los animales, su entorno y el ser humano pero visto desde la perspectiva de un humano que en su búsqueda esta el deseo de ser o vivir como los animales. El desconocimiento para la gran mayoría y la ceguera espiritual que ha pasado a través de generaciones, sin lograr la tan anhelada iluminación, va de la mano de los seres humanos en el transitar hacia algo que no se sabe que es, puede que sea una ciudad santa donde se podrá vivir en paz o simplemente transitar por un tiempo que desde que nacemos se acaba y que algunos se dan a la tarea de desperdiciarlo. Aunque estas piezas parezcan estar disociadas, ser muy figurativas, contrariamente nos remiten a símbolos muy arraigados, mitificados y mal interpretados en y por los abstractos seres humanos.
“Ungulados para el desayuno”: la manada mezclada con el rebaño que pueden seguir ciegamente ordenes sin detenerse a analizar o reflexionar, se presenta en la obra de lobos y ovejas que juntos pero no revueltos son mas racionales que el hombre, y logran vivir respetuosamente con sentido de clan, jerarquía, de compartir y socializar aunque se les halla creado una leyenda negra a unos y brillante a otros su naturaleza animal los purifica.
“Rebaños sin fuerza o almorcemos juntos”: aunque esta masa espesa por la cantidad de lana que posee, por el orden que mantiene y por el sometimiento dócil a la voluntad ajena, puede presentarse caótica y simbólicamente sacrificada, se opone a esa energía que da una buena comida al cuerpo, ya que esta obediencia manipulada elimina por completo toda oportunidad de evolución, de regeneración, que es posible si la inocencia y los instintos logran salir a flote y permiten mostrar la oveja negra que llevamos dentro o como planteaba Nietzsche: En un mundo de borregos prefiero ser lobo.
“Después de cenar: un cuento para descansar en paz”: ese ritual que de niños nos enseñaron tiene cabida en esa búsqueda de la iluminación; para que exista luz interior hay que reconocer primero que estamos en tinieblas, A. Einstein decía: para ser un miembro inmaculado de un rebaño de ovejas, uno debe, sobre todas las cosas, primero ser un lobo, y metafóricamente perseguir la luz de los sueños en la oscuridad y tropezar y levantarnos; otro ritual iniciático donde nos muestra una niña que sentada en una piedra logra catalizar todas esas energía cósmicas.
Y la obra “Merienda a deshora” quizá más minimalista pero cargada de múltiples significados para la artista, logra integrarse a la obra de Oscuraldo que con una delgada linea demarca una frontera en todas sus piezas, y la cual permitió ese juego de “saltar la cuerda”, caer-levantarnos, ser lobo-oveja, luz-oscuridad, ser como los alquimistas que decantaban la materia en búsqueda del oro; aquí el excremento y el conocimiento de la parte más humana nos puede conducir a aquel ser superior que llevamos dentro. Ver lo hermoso de lo feo, y como en aquellos cuentos donde quedamos encantados seguir el camino que alguien nos marcó para no perdernos.
Ave.
“Ungulados para el desayuno”: la manada mezclada con el rebaño que pueden seguir ciegamente ordenes sin detenerse a analizar o reflexionar, se presenta en la obra de lobos y ovejas que juntos pero no revueltos son mas racionales que el hombre, y logran vivir respetuosamente con sentido de clan, jerarquía, de compartir y socializar aunque se les halla creado una leyenda negra a unos y brillante a otros su naturaleza animal los purifica.
“Rebaños sin fuerza o almorcemos juntos”: aunque esta masa espesa por la cantidad de lana que posee, por el orden que mantiene y por el sometimiento dócil a la voluntad ajena, puede presentarse caótica y simbólicamente sacrificada, se opone a esa energía que da una buena comida al cuerpo, ya que esta obediencia manipulada elimina por completo toda oportunidad de evolución, de regeneración, que es posible si la inocencia y los instintos logran salir a flote y permiten mostrar la oveja negra que llevamos dentro o como planteaba Nietzsche: En un mundo de borregos prefiero ser lobo.
“Después de cenar: un cuento para descansar en paz”: ese ritual que de niños nos enseñaron tiene cabida en esa búsqueda de la iluminación; para que exista luz interior hay que reconocer primero que estamos en tinieblas, A. Einstein decía: para ser un miembro inmaculado de un rebaño de ovejas, uno debe, sobre todas las cosas, primero ser un lobo, y metafóricamente perseguir la luz de los sueños en la oscuridad y tropezar y levantarnos; otro ritual iniciático donde nos muestra una niña que sentada en una piedra logra catalizar todas esas energía cósmicas.
Y la obra “Merienda a deshora” quizá más minimalista pero cargada de múltiples significados para la artista, logra integrarse a la obra de Oscuraldo que con una delgada linea demarca una frontera en todas sus piezas, y la cual permitió ese juego de “saltar la cuerda”, caer-levantarnos, ser lobo-oveja, luz-oscuridad, ser como los alquimistas que decantaban la materia en búsqueda del oro; aquí el excremento y el conocimiento de la parte más humana nos puede conducir a aquel ser superior que llevamos dentro. Ver lo hermoso de lo feo, y como en aquellos cuentos donde quedamos encantados seguir el camino que alguien nos marcó para no perdernos.
Ave.
HOLOS exposición de AVE y OSCURALDO. Museo Juan Astorga de Mérida
Configuro desde la geometría alegorías del mundo. Estas alegorías pueden remitir a conceptos como: la masa (el pueblo) siempre conducida por esquemas y sistemas que parecen inamovibles por la costumbre. También hay referencia al concepto de frontera, esa línea, no siempre imaginaria, que lo divide todo. Más allá de las inventadas por nosotros (la fronteras geopolíticas, las clases sociales, entre otras), están las aparentemente incuestionables, por ejemplo; el cuerpo, el tiempo, la muerte, el otro, el género, el conocimiento y así sucesivamente, como algo incrustado desde hace eones y a lo cual nos hemos acostumbrado al punto de creer que es natural. En el pequeño conjunto escultórico titulado “Los Filósofos Polimáticos o Leprosos del nuevo mundo” utilizo formas geométricas más complejas para sugerir a los que supuestamente manejan el conocimiento, sólo teorizando, sin que ello implique transformación y elevación en ellos o en su entorno, emulando en cierto sentido a los sopladores de los que se hace mención en los libros de alquimia, este grupo tiene la particular creencia de que problematizar o complejizar es una vía hacia la aprehensión de la sabiduría.
La propuesta fluctúa entre la bidimensionalidad y la tridimesionalidad (mundo protoplásmico), para advertir realidades aparentemente diferenciadas y sin puntos de encuentro en nuestra conciencia. Sobre la superficie abstracta que supone esta realidad entendida como ilusión (maya) aparecen dibujos a manera de mapas o señales, semejantes a representaciones primitivas sobre rocas milenarias, diseñados con rigurosidad geometríca y conceptos matemáticos (progresiones numéricas, sección áurea, cuadrados mágicos, entre otras) quizá representando esa sabiduría siempre presente, que aunque conocida por el hombre, guarda un misterio ininteligible. En la obra titulada “El Mamotreto Societario y las Tipologías que lo Conforman” se plantea; usando la progresión numérica del cuadrado, una estructura piramidal de aparente solidez que simula una torre de babel ¿quizá nuestro actual sistema societario?, en apariencia funcional y firme pero imperfecto de origen y siempre resquebrajándose, en el nivel inferior un pueblo, siempre anhelante de escalar la pirámide-sistema generando los eternos conflictos, como por ejemplo; las clases sociales. Al lado derecho una secuencia de formas, sugiere la evolución del ser al ir escalando la pirámide y de como el vacío se va llenando en un proceso de petrificación. En esta obra y en la titulada “El Gran Dual ¿El Inevitable?” aparecen unas piedras ovoidales a las que he llamado los sabios, individuos que han logrado una elevación y que parecen más cercanos a la divinidad (maestros espirituales, gurús, santos, etc). En “El Gran Dual ¿El Inevitable?” puede leerse una visión taoísta de la realidad, la polarización que va mucho más allá de un simple maniqueísmo, se trata de los antagónicos que conforman el Tao, el lobo y el cordero, victimas y victimarios, algo que los sabios conocen y no niegan, como suele hacerlo prejuiciosamente el resto de la sociedad. El poder como fuerza universal también está sugerido en la obra “De los líderes Entronizados o los Gobiernos Excéntricos ”, donde una pirámide rompiendo el espacio sin atinarle al centro evidencia el manejo incongruente que desde siempre la humanidad ha tenido del poder, tanto para dominarse a si misma como a los demás seres del planeta. En la obra que se fusiona con el universo de Ave, titulada “La Perspectiva de los Sabios que Meriendan a Deshora” , se pretende a través del dibujo la visión totalizadora de las cosas, es decir; la vuelta a la unidimensionalidad, el apacible y sublime estado de iluminación donde el viaje alcanza su cometido y donde unos pocos, muy pocos logran llegar, para acariciar la piel de Dios o la piel del universo que resulta en su propia piel. Este aspecto iluminado estámas desarrollado en la instalación de arcilla titulada “Una Sociedad, su supuesto Dios y un Sabio”, donde la sociedad permanece ofuscada ante la presencia de lo que ellos creen que es un Dios, mientras el Auténtico sabio se alza sobre tan gigantesca sombra para contemplar lo innombrable. De esta manera queda pintado un paisaje donde caben miles de preguntas, la pretendida holística se queda corta y la fragmentación parece seguir siendo un estigma en la condición humana.
Oscuraldo.
La propuesta fluctúa entre la bidimensionalidad y la tridimesionalidad (mundo protoplásmico), para advertir realidades aparentemente diferenciadas y sin puntos de encuentro en nuestra conciencia. Sobre la superficie abstracta que supone esta realidad entendida como ilusión (maya) aparecen dibujos a manera de mapas o señales, semejantes a representaciones primitivas sobre rocas milenarias, diseñados con rigurosidad geometríca y conceptos matemáticos (progresiones numéricas, sección áurea, cuadrados mágicos, entre otras) quizá representando esa sabiduría siempre presente, que aunque conocida por el hombre, guarda un misterio ininteligible. En la obra titulada “El Mamotreto Societario y las Tipologías que lo Conforman” se plantea; usando la progresión numérica del cuadrado, una estructura piramidal de aparente solidez que simula una torre de babel ¿quizá nuestro actual sistema societario?, en apariencia funcional y firme pero imperfecto de origen y siempre resquebrajándose, en el nivel inferior un pueblo, siempre anhelante de escalar la pirámide-sistema generando los eternos conflictos, como por ejemplo; las clases sociales. Al lado derecho una secuencia de formas, sugiere la evolución del ser al ir escalando la pirámide y de como el vacío se va llenando en un proceso de petrificación. En esta obra y en la titulada “El Gran Dual ¿El Inevitable?” aparecen unas piedras ovoidales a las que he llamado los sabios, individuos que han logrado una elevación y que parecen más cercanos a la divinidad (maestros espirituales, gurús, santos, etc). En “El Gran Dual ¿El Inevitable?” puede leerse una visión taoísta de la realidad, la polarización que va mucho más allá de un simple maniqueísmo, se trata de los antagónicos que conforman el Tao, el lobo y el cordero, victimas y victimarios, algo que los sabios conocen y no niegan, como suele hacerlo prejuiciosamente el resto de la sociedad. El poder como fuerza universal también está sugerido en la obra “De los líderes Entronizados o los Gobiernos Excéntricos ”, donde una pirámide rompiendo el espacio sin atinarle al centro evidencia el manejo incongruente que desde siempre la humanidad ha tenido del poder, tanto para dominarse a si misma como a los demás seres del planeta. En la obra que se fusiona con el universo de Ave, titulada “La Perspectiva de los Sabios que Meriendan a Deshora” , se pretende a través del dibujo la visión totalizadora de las cosas, es decir; la vuelta a la unidimensionalidad, el apacible y sublime estado de iluminación donde el viaje alcanza su cometido y donde unos pocos, muy pocos logran llegar, para acariciar la piel de Dios o la piel del universo que resulta en su propia piel. Este aspecto iluminado estámas desarrollado en la instalación de arcilla titulada “Una Sociedad, su supuesto Dios y un Sabio”, donde la sociedad permanece ofuscada ante la presencia de lo que ellos creen que es un Dios, mientras el Auténtico sabio se alza sobre tan gigantesca sombra para contemplar lo innombrable. De esta manera queda pintado un paisaje donde caben miles de preguntas, la pretendida holística se queda corta y la fragmentación parece seguir siendo un estigma en la condición humana.
Oscuraldo.
Vísceras de árbol de Annie Vásquez: metáforas de la naturaleza y del cuerpo social
Por: Carmen Hernández
Como parte del apoyo al trabajo realizado por artistas del interior del país, la Sala NG presenta la muestra Vísceras de árbol de Annie Vásquez, joven caraqueña residente en el estado Táchira. El conjunto de seis obras, que a su vez reúne veinticinco piezas tridimensionales elaboradas con materiales precarios, representa una investigación técnica y simbólica que contribuye a recrear la tradición constructiva desde una mirada social.
Aunque las formas de estas “esculturas blandas” tubulares recurren a la serialización geométrica, aluden a referentes naturales desde una perspectiva animista, relativa a la estructura y la piel humanas. Estos volúmenes muestran su interior pues cuentan con el soporte de la transparencia del plástico que permite observar la madera en estado residual (las vísceras de árbol) a modo de una superficie mucosa, viva, que en su textura y tonalidad, remiten a los órganos internos del cuerpo e incluso, a los genitales.
Para Annie Vásquez, esta estrategia constructiva representa por lo menos dos retos: trabajar con materiales de bajo costo, como el desecho de la madera (el aserrín, por ejemplo), y crear un universo simbólico con el modelado de una materia “informe”. Según sus propias reflexiones, esta propuesta tiene una connotación medioambientalista. Tal vez los residuos de la madera encapsulados en bolsas sintéticas podrían despertar el reconocimiento de esa “muerte de la naturaleza” y del desequilibrio ecológico que representa la tala indiscriminada de bosques. Incluso la artista ha comentado que el uso de la madera se ha extendido: “hasta para fabricar los mangos de las hachas que han servido para derribar y continuar con la cadena de exterminación de otros árboles”. Es decir, para la sociedad de consumo, los árboles representan una materia inerte a ser procesada de manera industrial y masiva.
Pero en la cadena metafórica creada por Vásquez también se pueden plantear otros desplazamientos interpretativos. Estas vísceras de árbol ponen en duda la trascendencia material de la obra de arte y su lógica de consumo como mercancía, pues los elementos constitutivos de las piezas son frágiles, prácticamente “desechos”. Asimismo, el cuestionamiento de los hábitos perceptuales en el campo artístico (que privilegia la condición efímera de la materia y la experiencia), también puede ser extendido a la vida cotidiana como una manera de rescatar “otras” representaciones de la conducta social, menos determinadas por una valoración mecanicista, y más orientadas por el sentido lúdico y crítico.
La alusión a formas residuales o poco nobles para el imaginario estético, como las vísceras y las mucosidades asociadas a los fluidos corporales, pueden relacionarse con los comentarios de Mary Douglas, quien advertía que "el cuerpo es un modelo que puede representar a cualquier sistema... Todos los márgenes son peligrosos... la saliva, la sangre, la leche, la orina, las heces y las lágrimas traspasan los límites del cuerpo sólo por expelerse" . Estas imágenes flexibles y livianas en el espacio, también podrían ser asumidas como metáforas de aquel cuerpo social que, en su condición de frontera o límite, se resiste a asumir los modelos hegemónicos de “productividad” predeterminados por el capitalismo cultural, cuyos mecanismos “transparentes” enmascaran los dispositivos de poder que condenan a los sujetos y a su naturaleza a reproducir los mecanismos de su propia destrucción.
CARMEN HERNÁNDEZ.
1 Mary Douglas citada por Jean Franco. 1993 Las conspiradoras. México: Fondo de Cultura Económica y El Colegio de México, México, p. 92.
Como parte del apoyo al trabajo realizado por artistas del interior del país, la Sala NG presenta la muestra Vísceras de árbol de Annie Vásquez, joven caraqueña residente en el estado Táchira. El conjunto de seis obras, que a su vez reúne veinticinco piezas tridimensionales elaboradas con materiales precarios, representa una investigación técnica y simbólica que contribuye a recrear la tradición constructiva desde una mirada social.
Aunque las formas de estas “esculturas blandas” tubulares recurren a la serialización geométrica, aluden a referentes naturales desde una perspectiva animista, relativa a la estructura y la piel humanas. Estos volúmenes muestran su interior pues cuentan con el soporte de la transparencia del plástico que permite observar la madera en estado residual (las vísceras de árbol) a modo de una superficie mucosa, viva, que en su textura y tonalidad, remiten a los órganos internos del cuerpo e incluso, a los genitales.
Para Annie Vásquez, esta estrategia constructiva representa por lo menos dos retos: trabajar con materiales de bajo costo, como el desecho de la madera (el aserrín, por ejemplo), y crear un universo simbólico con el modelado de una materia “informe”. Según sus propias reflexiones, esta propuesta tiene una connotación medioambientalista. Tal vez los residuos de la madera encapsulados en bolsas sintéticas podrían despertar el reconocimiento de esa “muerte de la naturaleza” y del desequilibrio ecológico que representa la tala indiscriminada de bosques. Incluso la artista ha comentado que el uso de la madera se ha extendido: “hasta para fabricar los mangos de las hachas que han servido para derribar y continuar con la cadena de exterminación de otros árboles”. Es decir, para la sociedad de consumo, los árboles representan una materia inerte a ser procesada de manera industrial y masiva.
Pero en la cadena metafórica creada por Vásquez también se pueden plantear otros desplazamientos interpretativos. Estas vísceras de árbol ponen en duda la trascendencia material de la obra de arte y su lógica de consumo como mercancía, pues los elementos constitutivos de las piezas son frágiles, prácticamente “desechos”. Asimismo, el cuestionamiento de los hábitos perceptuales en el campo artístico (que privilegia la condición efímera de la materia y la experiencia), también puede ser extendido a la vida cotidiana como una manera de rescatar “otras” representaciones de la conducta social, menos determinadas por una valoración mecanicista, y más orientadas por el sentido lúdico y crítico.
La alusión a formas residuales o poco nobles para el imaginario estético, como las vísceras y las mucosidades asociadas a los fluidos corporales, pueden relacionarse con los comentarios de Mary Douglas, quien advertía que "el cuerpo es un modelo que puede representar a cualquier sistema... Todos los márgenes son peligrosos... la saliva, la sangre, la leche, la orina, las heces y las lágrimas traspasan los límites del cuerpo sólo por expelerse" . Estas imágenes flexibles y livianas en el espacio, también podrían ser asumidas como metáforas de aquel cuerpo social que, en su condición de frontera o límite, se resiste a asumir los modelos hegemónicos de “productividad” predeterminados por el capitalismo cultural, cuyos mecanismos “transparentes” enmascaran los dispositivos de poder que condenan a los sujetos y a su naturaleza a reproducir los mecanismos de su propia destrucción.
CARMEN HERNÁNDEZ.
1 Mary Douglas citada por Jean Franco. 1993 Las conspiradoras. México: Fondo de Cultura Económica y El Colegio de México, México, p. 92.
jueves, 14 de mayo de 2009
Travesías
Galería de Arte El Punto
Colón - Estado Táchira - Venezuela
Del 09 de mayo al 11 de julio de 2009
FUNDAJAU - IARTES - Ministerio del Poder Popular para la Cultura _ Galería de Arte El Punto
Colón - Estado Táchira - Venezuela
Del 09 de mayo al 11 de julio de 2009
FUNDAJAU - IARTES - Ministerio del Poder Popular para la Cultura _ Galería de Arte El Punto
TRAVESÍAS Exposición Individual de Iván Romero
Travesías. Pinceladas entre el cielo y el mar
"En estas pinturas de Iván Romero más que las rigurosas operaciones técnicas propias del oficio se nos muestra un modo de estar atento a las vibraciones y resonancias que el recuerdo de la vivencia del paisaje suscita. Luego de preparar la tela con acrílicos y pigmentos, se alimenta con transparencias y veladuras de manchas y pinceladas, creando metáforas del paisaje que despiertan desde su evanescencia para resurgir en gestuales edificaciones de sensaciones y experiencias sensibles, como exhalaciones de la memoria, del alma, buscando cuerpo para hallarse y no sucumbir a la vastedad del olvido." Luis Eduardo Cabrera
"En estas pinturas de Iván Romero más que las rigurosas operaciones técnicas propias del oficio se nos muestra un modo de estar atento a las vibraciones y resonancias que el recuerdo de la vivencia del paisaje suscita. Luego de preparar la tela con acrílicos y pigmentos, se alimenta con transparencias y veladuras de manchas y pinceladas, creando metáforas del paisaje que despiertan desde su evanescencia para resurgir en gestuales edificaciones de sensaciones y experiencias sensibles, como exhalaciones de la memoria, del alma, buscando cuerpo para hallarse y no sucumbir a la vastedad del olvido." Luis Eduardo Cabrera
lunes, 8 de diciembre de 2008
viernes, 17 de octubre de 2008
Historia del Festival Rabo'emono 2000 - 2004, Táchira - Venezuela
Festival Rabo’emono
y el Arte de Acción en el Táchira - Venezuela
Por: Osvaldo Barreto y Annie Vásquez
El Arte de acción que venía gestándose desde el absurdo del dadaísmo en el Cabaret Voltaire por allá en los años 20, evolucionó alimentándose de los ismos y llegando a definirse en la década de los 70 con el grupo Fluxus y otros grupos artísticos internacionales que tomaron la acción como medio artístico de expresión. El arte de acción derivó del arte conceptual, y proclamó que una acción emprendida o diseñada por el artista, cualquiera que esta fuera, constituía en si misma una obra de arte. Esto generó una vertiente expresiva con características propias, de allí nacieron términos como el Performance, el Happening, el bodyart o arte corporal, la pintura corporal, el arte procesual, entre otros.
En el Táchira en el mes de marzo de 1997, se realizó una exposición titulada: JÓVENES ARTISTAS URBANOS, nombre con el que también se designaba un grupo de artistas emergentes de la localidad al cual pertenecían en ese momento: Annie Vásquez, Oscuraldo, Alejandro Barreto, Iván Romero y Jorge Luis Dávila, la muestra se llevó a cabo en la galería Manuel Osorio Velasco, la cual estaba dirigida por el escultor Tomás Yañez, la noche en que se inauguró esa muestra se realizó quizá el primer performance en el Táchira, una acción concebida como hecho artístico y manejando el concepto accional, aún con muchos matices teatrales pero definitivamente conceptual, la cual consistía en unos movimientos que se realizaban dentro de una instalación elaborada por Oscuraldo, en la acción titulada “Aracné” intervinieron: Oscuraldo, Ave (Annie Vásquez), Alejandro Barreto y Jorge Luis Dávila. A raíz de esa acción, nació el primer grupo de arte accional llamado: La Tétrica Trama Teatral, integrado por los artistas ya mencionados y que actualmente sigue trabajando pero integrada por Jorge Luis Dávila y Nilka Vélez, quienes conservaron la vertiente teatral dentro de lo accional, los otros integrantes siguieron desarrollando el arte de acción buscando medios mas conceptuales ligados mas a las artes plásticas. Desde entonces comenzaron a desarrollarse acciones similares en las inauguraciones de arte, sobre todo las realizadas por esta generación emergente y este grupo.
En 1999, los artistas Oscuraldo, Ave e Iván Romero, reciben una invitación para participar en un festival de performance en la ciudad de Maracay, llamado Perforart 99, el cual estaba organizado por el artista accional Cesar León, los artistas tachirenses cumplieron con el compromiso y quedaron pregnados del concepto festival, es entonces cuando deciden crear un festival de performance Tachirense al cual llamaron “Raboemono”.
Con pocos o casi ningún recurso económico, la Fundación JAU realizó el primer Festival de performance “RABO’EMONO”, que durante 5 años y 4 ediciones regaló a la Ciudad de San Cristóbal (se realizaba el 31 de marzo o día de la fundación de la Ciudad y duraba 3 o 4 días) la posibilidad de acceder a nuevas propuestas artísticas, pues cabe acotar que siempre fue un evento multidisciplinario, pero con hincapié en el genero accional.
El primer Rabo’emono se llevó a cabo en los galpones de la escuela de Artes Plásticas de San Cristóbal ubicada en el Sector “la Guayana”, se hizo del 31 de marzo al 2 de abril de 2000, y en él se hicieron muestras de Bandas de rock locales, danza contemporánea, exposición plástica y performance, este ultimo contó con invitados de Maracay incluyendo al propio Cesar León organizador del Perforart.
Los participantes en esa ocasión, según la disciplina, fueron:
Artistas de la exposición plástica: Iván Romero, Ronald Zambrano, Marcos Veroes, Carlos Cruz Aceros, Bexy López, Gerson Acevedo, Santiago Sarmiento, Franklin Sánchez, José M. Romero, Josefina Colmenares, Harold Muñoz, Ana Milena, Jean Carrero, José Lucena, Laura, Alexander, Consuelo, Oscuraldo y Ave.
Las bandas de rock fueron: Danza Negra (liderada por Felipe Restrtepo), Nebula (liderada por Antonio Cabeza), La Internacional Terrorista, Residuos (liderada por Freddy Ñañez) y Experiencia Curiara ( liderada por Greys Hernández).
En Danza Contemporánea se presentó el grupo Puropie integrado para entonces por: Liz Pérez, Susana Segovia y Mildred Colmenares).
En el arte accional se presentaron: La Tétrica Trama Teatral (liderada por Jorge Dávila y Nilka Vélez), Ronald Zambrano,Ysbel Mejia (invitada de Maracay), Cesar León (organizador del Perforart Maracay), Iván Romero, Ave y Oscuraldo.
Para esa edición la fundación JAU editó un pequeño catálogo donde quedó humildemente registrado el evento con graficas y textos, el texto de presentación rezaba lo siguiente: “El Performance como modalidad se recrudece por estos días, estos pequeños festivales son síntoma de ello, las causas son múltiples y añejas. Una nueva generación de artistas afectados por coyunturas políticas color aceituna, situaciones económicas sofocantes, una geografía que dispersa y una plataforma cultural compuesta por salones de arte insondables, han decidido crear sus propios espacios; más públicos y libres del status refinado de museos y galerías y usar el medio más directo que pueda tener un artista como lo es su propio cuerpo; desde esas dos premisas se lanza al vacío de la acción arriesgándolo todo, pues no tiene nada que perder, liberando energías que moverán el torrente sanguíneo de una sociedad que más que otra cosa parece un exangüe”*.
La segunda edición del festival Rabo’emono se realizó al aire libre en los espacios del parque Metropolitano de la ciudad de San Cristóbal y se realizó del 30 de marzo al 1 de abril de 2001. En esa ocasión las bandas de rock que participaron fueron: Danza Negra, Tha Chewbacca Project, Residuos, Sabotaje, Niple, Acid Join, Weekend, anonimato y Calvarium. Además hubo teatro de muñecos con la agrupación Títeres Kinimarí y también hubo cuenta cuentos a cargo del actor Eleuterio Castellanos. En el arte accional se presentaron: La Daga Oxidada (Cesar León), La Tétrica Trama Teatral, Darwin Romero y Arelis Monsalve, Oscuraldo, Ysbel Mejías y Benito Tovar (Artistas Aragüeños), Marcos Veroes (Artista Aragüeño), Elemento en Equilibrio (grupo liderado por Cynthia Scholz), Guillermo Nossa, Iván Romero y AVE (Annie Vásquez).
Esta edición también contó con un modesto catálogo, en cuya presentación podían leerse:
“La critica nunca se hace dulce aunque tenga tintes de familiaridad y afecto compartido, sin embargo se puede pensar en pompas de jabón que te bañan de un acido que no es para quemar sino para digerir y mejorara el detalle que faltó. Lejos de la palabrería inútil y el dedo acusador, vaya esta nota cordial para el evento que nace de las vísceras y el compromiso del ser; hacer y expresar lo que somos: jóvenes artistas sin la cuadratura de la academia cercenadora y costumbrista, que no se permite encontrarse con la gente en los espacios que no estén sellados o patentados para la cultura de una ciudad. Raboemono Festival de Performance 2da Edición se colgó esta vez de cada rama de árbol del parque Metropolitano llevando así su presencia a un espacio nada tradicional o convencional para hacer cultura, en principio pensé que el parque me comía; pero después de sentir y sentirme en el espacio logré una comunicación fundamental que creo que debe tener cualquier artista con el lugar a intervenir, pues, el respeto se hizo presente y el publico intervino en forma curiosa con ese afán por saber que sucedía en cada espacio tomado por el arte. Fue realmente importante la presencia infantil, porque el adulto se incorporó a cada experiencia brindada; el adolescente por supuesto llamado por la música de las bandas: electrónica, hard core, trash metal, etc. Esto hacía que en un momento se perdiera el objetivo principal:“La Performance”*.
Ya con la segunda edición el festival había logrado captar un público y generó una necesidad, convirtiéndose en una vitrina para el arte joven del Táchira, en marzo de 2002 se realizó el 3er Rabo’emono, que consideramos fue la mejor edición del festival. Se realizó en los espacios del Salón de Lectura, en pleno centro de la Ciudad de San Cristóbal, con una asistencia masiva todos los días y contó con invitados de Cúcuta (Colombia), Mérida, Maracay y Caracas, además de los locales.
Los accionistas en esa ocasión fueron: Ivan Romero, Guillermo Nossa, “El Chino” Peña, Ysbel Mejías y Marcos Veroes, César León, Emil Uzcategui, Ronny Oliveros, Darwin Romero, Rafael Castellanos, La Tétrica Trama Teatral, Ave y Oscuraldo. En danza contemporánea se presentaron: la agrupación Puropie y la bailarina Sidy White, en teatro se presentaron: El grupo A.F.I.N.(de Mérida), Rolando Cerón y su grupo de teatro experimental de Cúcuta y Trashumante teatro. También se presentaron los títeres Kinimari, hubo una charla del escritor caraqueño Rafael Uzcategui y tocaron las siguientes bandas: QK Ponch, Danza Negra, Tha Chewbacca Project, Triciclo, Residuos, Niple, Biotech (de Maracay), Semilla (de Mérida), y Taima.
En la presentación del catálogo correspondiente a esa edición se leía:
“Parece muy prematuro sacar conclusiones sobre lo que representa un festival de arte y performance como es el caso de Raboemono. Aún no me atrevo a señalar que este festival se convierta en un referente nacional e internacional. Pensamos que subir al estrado de los grandes festivales de performance del mundo, salvando las diferencias de todo tipo, por supuesto, amerita por un lado, una plataforma económica que impulse toda la producción interna, y por otro lado, insistir,, cual taladro mental, en despertar la sensibilidad del colectivo. Y esto último es difícil y contradictorio. Sin embargo, pasa algo: los que han asistido a esta vivencia cultural han percibido durante las tres ediciones (2000, 2001, 2002) que hay una urgente necesidad expresiva de lo artístico que se respira en cada una de ellas, una voluntad resistente tanto a la apatía e incomprensión de los dirigentes culturales como a la de gran parte de los espectadores. Algo que sorprendió a productores del raboemono fue la edición de hace dos años, cuando contra todos los obstáculos, llenó masivamente por tres días consecutivos el ateneo de la ciudad con un publico muy heterogéneo: jóvenes, parejas, padres con sus hijos, solitarios, amas de casa, tercera edad y uno que otro curioso que deambulaba cerca de este recinto, registro que no había ocurrido en las anteriores ediciones. Fue como la presentación en el sector oficial, de una manifestación surgida en las periferias de este. Raboemono ha estado en las calles, en los parques y en esta ocasión entró a tientas en un espacio tradicional del hecho cultural. (¿Para ser juzgados?). Rabo’emono como hijo de la generación de artistas urbanos, es periférico, marginado, negado. ¿No nacieron con este estigma las vanguardias europeas incluso en las periferias de las capitales, en el interior? Dejemos claro que la intención no es la misma como la de aquella generación Dadá. Aquí no se pretende negar los nombres de autores y obras del arte venezolano harto conocidas por todos.
Rabo’emono, festival atípico, con el atrevimiento de ustedes es conciencia artístico- espiritual en acción, no visto por los ojos de esta ciudad en toda su historia. Lejos de ser un “evento” para la farándula y elite culturosa, Rabo’emono invita al colectivo a re-crearse, a cuestionarse y re-inventarse en esta aventura del performance, en el juego simbólico del arte. Y apenas comienza a dar sus primeros pasos” *.
Al año siguiente se desató el paro petrolero y auque se hicieron las gestiones para realizar el festival no fue posible por lo tanto la cuarta edición tuvo que ser aplazada.
Rabo’emono 4ta. edición:
Quizá esta edición era una señal de que no debíamos seguir cargando el mono, la organización de estos eventos agota a algunos y levanta a muchos, en el catálogo quedó reflejado poco de lo que sucedió: individualidades y grupos que estaban en la programación no aparecieron, pero como están acostumbrados a salir en catálogos pero no en presentarse les siguió pareciendo bien y hasta deben tener esta supuesta participación como parte del currículo falso que exhiben a diario. Bandas de rock conformadas por niños de la clase alta pero con un egoísmo muy bajo, quienes se dedicaron a discutir entre ellos para no dar prestada una batería que armarían entre todos los participantes de esta modalidad. Y nuestros gerentes y otros trabajadores culturales que pasando sus días enteros en el recinto de la DIRECCIÓN DE CULTURA Y BELLAS ARTES DEL ESTADO TÁCHIRA, escenario para esa ocasión de la 4ta. edición del Rabo’emono no tuvieron la gentileza de detenerse unos minutos para ver lo que allí pasaba. Pero como todo tiene algo bueno van aplausos para aquellos que verdaderamente están comprometidos con el arte, forma de vida honesta: LOS ZANQUEROS DE RUBIO, GUAMA, EL NEGRO MANDINGA, MANU (Malabaristas) y DIEGO SARMIENTO (Artista plástico), quienes aparecieron sin ser invitados pero como dice la parábola bíblica llevaron sus trajes y fueron bien recibidos. Los amigos como JAVIER SÁNCHEZ (Educador), quien realizó una acción de OSCURALDO y LUIS ZAMBRANO (Diseñador Gráfico), quienes conocían a los artistas de JAU y decidieron sumarse sin ser artistas para probar en carne propia lo que escuchaban de boca de otros. Otra vez loas y aplausos para los expositores: CÉSAR VÁSQUEZ, ENDER RODRÍGUEZ, LA BRUJA, RAFAEL CASTELLANOS, IVÁN ROMERO, CARLOS CRUZ ACEROS, JORGE DÁVILA, JAVIER CHACÓN y AVE; para los bailarines PURO PIE, TIBAIRÉ USECHE, ANDANZA (Infantil y adulto), JORGE DÁVILA, AFIN y TERPIS (estos dos últimos Grupos de danza de Mérida), para los músicos: SEMILLA (Banda de hiphop de Mérida), ANTIRRÉGIMEN, TWAMB, ANEURISMA, ALCATRÁZ, HELL INCORPORATE y ACID JOIN; para los accionistas: IVÁN ROMERO, NILKA VÉLEZ; para los fotógrafos que hicieron performances: RAFAEL CASTELLANOS y RONNY OLIVEROS; para los teatreros: JAIRO, CARLOS y LOS HISTRIÓNICOS; para los titiriteros: KINIMARÍ; y para el video-performance de AVE. Y como dijo Oscuraldo en el texto que escribió para el 4to. Rabo’emono refiriéndose a este festival: “… creemos que lo salva el hecho de que sus convicciones son claras y sinceras, pues hacer arte contemporáneo y desarrollar vanguardias culturales en las provincias de Latinoamérica es algo más que necesario: ES URGENTE!!!.”
Cuando murió el Perforart en Maracay, nació el festival Raboemono en el Táchira, luego de cinco años murió el Rabo’emono y nació el Festival Bocanada en Mérida. Estos eventos fueron como una ola que se propagó en el interior, lejos de la capital, lo cual es una característica importante y a través de ellos pueden rastrearse los orígenes del arte de acción no sólo en las localidades donde acontecieron sino en el propio país. Muchos de los artistas que participaron en estos eventos desaparecieron, otros continuaron con sus propuestas, otros evolucionaron e investigaron y actualmente realizan interesantes trabajos en esta área, pero lo más importante es que se escribió una historia que bien merece ser contada y tomada en cuenta para no repetirnos sobre nuestros pasos.
Osvaldo Barreto y Annie Vásquez
Organizadores del Rabo’emono y artistas plásticos.
y el Arte de Acción en el Táchira - Venezuela
Por: Osvaldo Barreto y Annie Vásquez
El Arte de acción que venía gestándose desde el absurdo del dadaísmo en el Cabaret Voltaire por allá en los años 20, evolucionó alimentándose de los ismos y llegando a definirse en la década de los 70 con el grupo Fluxus y otros grupos artísticos internacionales que tomaron la acción como medio artístico de expresión. El arte de acción derivó del arte conceptual, y proclamó que una acción emprendida o diseñada por el artista, cualquiera que esta fuera, constituía en si misma una obra de arte. Esto generó una vertiente expresiva con características propias, de allí nacieron términos como el Performance, el Happening, el bodyart o arte corporal, la pintura corporal, el arte procesual, entre otros.
En el Táchira en el mes de marzo de 1997, se realizó una exposición titulada: JÓVENES ARTISTAS URBANOS, nombre con el que también se designaba un grupo de artistas emergentes de la localidad al cual pertenecían en ese momento: Annie Vásquez, Oscuraldo, Alejandro Barreto, Iván Romero y Jorge Luis Dávila, la muestra se llevó a cabo en la galería Manuel Osorio Velasco, la cual estaba dirigida por el escultor Tomás Yañez, la noche en que se inauguró esa muestra se realizó quizá el primer performance en el Táchira, una acción concebida como hecho artístico y manejando el concepto accional, aún con muchos matices teatrales pero definitivamente conceptual, la cual consistía en unos movimientos que se realizaban dentro de una instalación elaborada por Oscuraldo, en la acción titulada “Aracné” intervinieron: Oscuraldo, Ave (Annie Vásquez), Alejandro Barreto y Jorge Luis Dávila. A raíz de esa acción, nació el primer grupo de arte accional llamado: La Tétrica Trama Teatral, integrado por los artistas ya mencionados y que actualmente sigue trabajando pero integrada por Jorge Luis Dávila y Nilka Vélez, quienes conservaron la vertiente teatral dentro de lo accional, los otros integrantes siguieron desarrollando el arte de acción buscando medios mas conceptuales ligados mas a las artes plásticas. Desde entonces comenzaron a desarrollarse acciones similares en las inauguraciones de arte, sobre todo las realizadas por esta generación emergente y este grupo.
En 1999, los artistas Oscuraldo, Ave e Iván Romero, reciben una invitación para participar en un festival de performance en la ciudad de Maracay, llamado Perforart 99, el cual estaba organizado por el artista accional Cesar León, los artistas tachirenses cumplieron con el compromiso y quedaron pregnados del concepto festival, es entonces cuando deciden crear un festival de performance Tachirense al cual llamaron “Raboemono”.
Con pocos o casi ningún recurso económico, la Fundación JAU realizó el primer Festival de performance “RABO’EMONO”, que durante 5 años y 4 ediciones regaló a la Ciudad de San Cristóbal (se realizaba el 31 de marzo o día de la fundación de la Ciudad y duraba 3 o 4 días) la posibilidad de acceder a nuevas propuestas artísticas, pues cabe acotar que siempre fue un evento multidisciplinario, pero con hincapié en el genero accional.
El primer Rabo’emono se llevó a cabo en los galpones de la escuela de Artes Plásticas de San Cristóbal ubicada en el Sector “la Guayana”, se hizo del 31 de marzo al 2 de abril de 2000, y en él se hicieron muestras de Bandas de rock locales, danza contemporánea, exposición plástica y performance, este ultimo contó con invitados de Maracay incluyendo al propio Cesar León organizador del Perforart.
Los participantes en esa ocasión, según la disciplina, fueron:
Artistas de la exposición plástica: Iván Romero, Ronald Zambrano, Marcos Veroes, Carlos Cruz Aceros, Bexy López, Gerson Acevedo, Santiago Sarmiento, Franklin Sánchez, José M. Romero, Josefina Colmenares, Harold Muñoz, Ana Milena, Jean Carrero, José Lucena, Laura, Alexander, Consuelo, Oscuraldo y Ave.
Las bandas de rock fueron: Danza Negra (liderada por Felipe Restrtepo), Nebula (liderada por Antonio Cabeza), La Internacional Terrorista, Residuos (liderada por Freddy Ñañez) y Experiencia Curiara ( liderada por Greys Hernández).
En Danza Contemporánea se presentó el grupo Puropie integrado para entonces por: Liz Pérez, Susana Segovia y Mildred Colmenares).
En el arte accional se presentaron: La Tétrica Trama Teatral (liderada por Jorge Dávila y Nilka Vélez), Ronald Zambrano,Ysbel Mejia (invitada de Maracay), Cesar León (organizador del Perforart Maracay), Iván Romero, Ave y Oscuraldo.
Para esa edición la fundación JAU editó un pequeño catálogo donde quedó humildemente registrado el evento con graficas y textos, el texto de presentación rezaba lo siguiente: “El Performance como modalidad se recrudece por estos días, estos pequeños festivales son síntoma de ello, las causas son múltiples y añejas. Una nueva generación de artistas afectados por coyunturas políticas color aceituna, situaciones económicas sofocantes, una geografía que dispersa y una plataforma cultural compuesta por salones de arte insondables, han decidido crear sus propios espacios; más públicos y libres del status refinado de museos y galerías y usar el medio más directo que pueda tener un artista como lo es su propio cuerpo; desde esas dos premisas se lanza al vacío de la acción arriesgándolo todo, pues no tiene nada que perder, liberando energías que moverán el torrente sanguíneo de una sociedad que más que otra cosa parece un exangüe”*.
La segunda edición del festival Rabo’emono se realizó al aire libre en los espacios del parque Metropolitano de la ciudad de San Cristóbal y se realizó del 30 de marzo al 1 de abril de 2001. En esa ocasión las bandas de rock que participaron fueron: Danza Negra, Tha Chewbacca Project, Residuos, Sabotaje, Niple, Acid Join, Weekend, anonimato y Calvarium. Además hubo teatro de muñecos con la agrupación Títeres Kinimarí y también hubo cuenta cuentos a cargo del actor Eleuterio Castellanos. En el arte accional se presentaron: La Daga Oxidada (Cesar León), La Tétrica Trama Teatral, Darwin Romero y Arelis Monsalve, Oscuraldo, Ysbel Mejías y Benito Tovar (Artistas Aragüeños), Marcos Veroes (Artista Aragüeño), Elemento en Equilibrio (grupo liderado por Cynthia Scholz), Guillermo Nossa, Iván Romero y AVE (Annie Vásquez).
Esta edición también contó con un modesto catálogo, en cuya presentación podían leerse:
“La critica nunca se hace dulce aunque tenga tintes de familiaridad y afecto compartido, sin embargo se puede pensar en pompas de jabón que te bañan de un acido que no es para quemar sino para digerir y mejorara el detalle que faltó. Lejos de la palabrería inútil y el dedo acusador, vaya esta nota cordial para el evento que nace de las vísceras y el compromiso del ser; hacer y expresar lo que somos: jóvenes artistas sin la cuadratura de la academia cercenadora y costumbrista, que no se permite encontrarse con la gente en los espacios que no estén sellados o patentados para la cultura de una ciudad. Raboemono Festival de Performance 2da Edición se colgó esta vez de cada rama de árbol del parque Metropolitano llevando así su presencia a un espacio nada tradicional o convencional para hacer cultura, en principio pensé que el parque me comía; pero después de sentir y sentirme en el espacio logré una comunicación fundamental que creo que debe tener cualquier artista con el lugar a intervenir, pues, el respeto se hizo presente y el publico intervino en forma curiosa con ese afán por saber que sucedía en cada espacio tomado por el arte. Fue realmente importante la presencia infantil, porque el adulto se incorporó a cada experiencia brindada; el adolescente por supuesto llamado por la música de las bandas: electrónica, hard core, trash metal, etc. Esto hacía que en un momento se perdiera el objetivo principal:“La Performance”*.
Ya con la segunda edición el festival había logrado captar un público y generó una necesidad, convirtiéndose en una vitrina para el arte joven del Táchira, en marzo de 2002 se realizó el 3er Rabo’emono, que consideramos fue la mejor edición del festival. Se realizó en los espacios del Salón de Lectura, en pleno centro de la Ciudad de San Cristóbal, con una asistencia masiva todos los días y contó con invitados de Cúcuta (Colombia), Mérida, Maracay y Caracas, además de los locales.
Los accionistas en esa ocasión fueron: Ivan Romero, Guillermo Nossa, “El Chino” Peña, Ysbel Mejías y Marcos Veroes, César León, Emil Uzcategui, Ronny Oliveros, Darwin Romero, Rafael Castellanos, La Tétrica Trama Teatral, Ave y Oscuraldo. En danza contemporánea se presentaron: la agrupación Puropie y la bailarina Sidy White, en teatro se presentaron: El grupo A.F.I.N.(de Mérida), Rolando Cerón y su grupo de teatro experimental de Cúcuta y Trashumante teatro. También se presentaron los títeres Kinimari, hubo una charla del escritor caraqueño Rafael Uzcategui y tocaron las siguientes bandas: QK Ponch, Danza Negra, Tha Chewbacca Project, Triciclo, Residuos, Niple, Biotech (de Maracay), Semilla (de Mérida), y Taima.
En la presentación del catálogo correspondiente a esa edición se leía:
“Parece muy prematuro sacar conclusiones sobre lo que representa un festival de arte y performance como es el caso de Raboemono. Aún no me atrevo a señalar que este festival se convierta en un referente nacional e internacional. Pensamos que subir al estrado de los grandes festivales de performance del mundo, salvando las diferencias de todo tipo, por supuesto, amerita por un lado, una plataforma económica que impulse toda la producción interna, y por otro lado, insistir,, cual taladro mental, en despertar la sensibilidad del colectivo. Y esto último es difícil y contradictorio. Sin embargo, pasa algo: los que han asistido a esta vivencia cultural han percibido durante las tres ediciones (2000, 2001, 2002) que hay una urgente necesidad expresiva de lo artístico que se respira en cada una de ellas, una voluntad resistente tanto a la apatía e incomprensión de los dirigentes culturales como a la de gran parte de los espectadores. Algo que sorprendió a productores del raboemono fue la edición de hace dos años, cuando contra todos los obstáculos, llenó masivamente por tres días consecutivos el ateneo de la ciudad con un publico muy heterogéneo: jóvenes, parejas, padres con sus hijos, solitarios, amas de casa, tercera edad y uno que otro curioso que deambulaba cerca de este recinto, registro que no había ocurrido en las anteriores ediciones. Fue como la presentación en el sector oficial, de una manifestación surgida en las periferias de este. Raboemono ha estado en las calles, en los parques y en esta ocasión entró a tientas en un espacio tradicional del hecho cultural. (¿Para ser juzgados?). Rabo’emono como hijo de la generación de artistas urbanos, es periférico, marginado, negado. ¿No nacieron con este estigma las vanguardias europeas incluso en las periferias de las capitales, en el interior? Dejemos claro que la intención no es la misma como la de aquella generación Dadá. Aquí no se pretende negar los nombres de autores y obras del arte venezolano harto conocidas por todos.
Rabo’emono, festival atípico, con el atrevimiento de ustedes es conciencia artístico- espiritual en acción, no visto por los ojos de esta ciudad en toda su historia. Lejos de ser un “evento” para la farándula y elite culturosa, Rabo’emono invita al colectivo a re-crearse, a cuestionarse y re-inventarse en esta aventura del performance, en el juego simbólico del arte. Y apenas comienza a dar sus primeros pasos” *.
Al año siguiente se desató el paro petrolero y auque se hicieron las gestiones para realizar el festival no fue posible por lo tanto la cuarta edición tuvo que ser aplazada.
Rabo’emono 4ta. edición:
Quizá esta edición era una señal de que no debíamos seguir cargando el mono, la organización de estos eventos agota a algunos y levanta a muchos, en el catálogo quedó reflejado poco de lo que sucedió: individualidades y grupos que estaban en la programación no aparecieron, pero como están acostumbrados a salir en catálogos pero no en presentarse les siguió pareciendo bien y hasta deben tener esta supuesta participación como parte del currículo falso que exhiben a diario. Bandas de rock conformadas por niños de la clase alta pero con un egoísmo muy bajo, quienes se dedicaron a discutir entre ellos para no dar prestada una batería que armarían entre todos los participantes de esta modalidad. Y nuestros gerentes y otros trabajadores culturales que pasando sus días enteros en el recinto de la DIRECCIÓN DE CULTURA Y BELLAS ARTES DEL ESTADO TÁCHIRA, escenario para esa ocasión de la 4ta. edición del Rabo’emono no tuvieron la gentileza de detenerse unos minutos para ver lo que allí pasaba. Pero como todo tiene algo bueno van aplausos para aquellos que verdaderamente están comprometidos con el arte, forma de vida honesta: LOS ZANQUEROS DE RUBIO, GUAMA, EL NEGRO MANDINGA, MANU (Malabaristas) y DIEGO SARMIENTO (Artista plástico), quienes aparecieron sin ser invitados pero como dice la parábola bíblica llevaron sus trajes y fueron bien recibidos. Los amigos como JAVIER SÁNCHEZ (Educador), quien realizó una acción de OSCURALDO y LUIS ZAMBRANO (Diseñador Gráfico), quienes conocían a los artistas de JAU y decidieron sumarse sin ser artistas para probar en carne propia lo que escuchaban de boca de otros. Otra vez loas y aplausos para los expositores: CÉSAR VÁSQUEZ, ENDER RODRÍGUEZ, LA BRUJA, RAFAEL CASTELLANOS, IVÁN ROMERO, CARLOS CRUZ ACEROS, JORGE DÁVILA, JAVIER CHACÓN y AVE; para los bailarines PURO PIE, TIBAIRÉ USECHE, ANDANZA (Infantil y adulto), JORGE DÁVILA, AFIN y TERPIS (estos dos últimos Grupos de danza de Mérida), para los músicos: SEMILLA (Banda de hiphop de Mérida), ANTIRRÉGIMEN, TWAMB, ANEURISMA, ALCATRÁZ, HELL INCORPORATE y ACID JOIN; para los accionistas: IVÁN ROMERO, NILKA VÉLEZ; para los fotógrafos que hicieron performances: RAFAEL CASTELLANOS y RONNY OLIVEROS; para los teatreros: JAIRO, CARLOS y LOS HISTRIÓNICOS; para los titiriteros: KINIMARÍ; y para el video-performance de AVE. Y como dijo Oscuraldo en el texto que escribió para el 4to. Rabo’emono refiriéndose a este festival: “… creemos que lo salva el hecho de que sus convicciones son claras y sinceras, pues hacer arte contemporáneo y desarrollar vanguardias culturales en las provincias de Latinoamérica es algo más que necesario: ES URGENTE!!!.”
Cuando murió el Perforart en Maracay, nació el festival Raboemono en el Táchira, luego de cinco años murió el Rabo’emono y nació el Festival Bocanada en Mérida. Estos eventos fueron como una ola que se propagó en el interior, lejos de la capital, lo cual es una característica importante y a través de ellos pueden rastrearse los orígenes del arte de acción no sólo en las localidades donde acontecieron sino en el propio país. Muchos de los artistas que participaron en estos eventos desaparecieron, otros continuaron con sus propuestas, otros evolucionaron e investigaron y actualmente realizan interesantes trabajos en esta área, pero lo más importante es que se escribió una historia que bien merece ser contada y tomada en cuenta para no repetirnos sobre nuestros pasos.
Osvaldo Barreto y Annie Vásquez
Organizadores del Rabo’emono y artistas plásticos.
jueves, 31 de julio de 2008
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